« Cendrillon » de Pauline Viardot - David Lescot - Maison des Arts et de la Culture à Créteil - 20/02/2026

 

Créé en 2014, la co[opéra]tive constitue un collectif de production lyrique qui mutualise les ressources de ses fondateurs, les scènes nationales de Besançon, Quimper et Sénart, ainsi que le Théâtre impérial de Compiègne, l’Opéra de Rennes et l’Atelier lyrique de Tourcoing. Depuis le premier projet, consacré aux Noces de Figaro de Mozart en 2015, plusieurs autres ont été élaborés, à l’instar de La Dame blanche de Boieldieu, en 2022. De nombreux autres théâtres participent désormais à la diffusion des spectacles à travers toute la France, comme on peut le constater avec la liste des nombreuses dates pour le tout dernier d’entre eux, l’« opéra de salon » en un acte Cendrillon (1904) de Pauline Viardot.

On ne peut que se réjouir de retrouver cet ouvrage charmant, déjà monté en version scénique à Paris en 2010, et à Lausanne en 2018, puis repris en 2023. Cette nouvelle version se distingue par une instrumentation inédite pour violoncelle, clarinette, piano et percussions, due à Jérémie Arcache (né en 1987). Avec le recours au synthétiseur et à la batterie, un coup de jeune parcourt toute la partition : de quoi nous embarquer dans des sonorités inattendues et décalées, qui respectent toujours le fil narratif et l’esprit de l’ouvrage, tout en mettant en valeur les différents musiciens.

On retrouve avec David Lescot un metteur en scène de théâtre reconnu, qui s’est illustré plusieurs fois dans le domaine lyrique (voir notamment Trois Contes de Pesson en 2019). Fort heureusement, son travail n’apparaît pas contraint par le cahier des charges, qui impose à la production l’itinérance : le cadre initial volontairement restreint de l’intérieur de la maison de Cendrillon illustre à la fois l’horizon bouché de l’héroïne et l’étroitesse d’esprit de ses demi‑sœurs. A l’inverse, la scène de bal prend davantage de liberté en créant quelques interactions bienvenues avec les musiciens. Comme attendu, la scène d’entrée de la Fée fait partie des plus prisées par le jeune public, sensiblement présent dans la vaste salle moderne de la Maison des Arts et de la Culture de Créteil, d’un peu plus de 1 000 places. Le carrosse en forme de citrouille est une réussite visuelle, à l’instar des costumes aux couleurs éclatantes, à même de bien différencier les personnages.

Malgré une acoustique à la résonance étouffée, les chanteurs réunis emportent l’adhésion par leur fraîcheur et leur engagement : ainsi d’Apolline Raï‑Westphal, qui donne à sa Cendrillon des trésors de raffinement, tandis que Tsanta Ratia (Le Prince) assure solidement sa partie. Incarnant les demi‑sœurs, Clarisse Dalles et Romie Estèves se régalent de leurs réparties vénéneuses avec gourmandise, à l’instar d’Olivier Naveau – et ce malgré un timbre un peu terne. Enfin, Enguerrand de Hys et Lila Dufy font valoir toutes leurs qualités de diction, toujours décisives dans ce répertoire léger.

« Così fan tutte » de Wolfgang Amadeus Mozart - Maison des Arts et de la Culture de Créteil - 20/06/2015

En cette fin de saison, on ne saurait trop recommander – une fois encore – le tout dernier spectacle concocté par les équipes de l’Atelier lyrique de l’Opéra national de Paris. Après la vibrante Iphigénie en Tauride de Gluck entendue au Théâtre de Saint Quentin-en-Yvelines en mars dernier, la talentueuse troupe investit la grande salle de la Maison des arts de Créteil sur pas moins de quatre soirées. Le XVIIIe siècle est remis à l’honneur avec Così fan tutte, l’un des tout derniers chefs-d’œuvre de Mozart, créé en 1790, un peu plus d’un an avant sa mort.

L’acoustique très mate de la salle de près de 1000 places surprend dès l’Ouverture, entamée à un tempo assez lent par Jean-François Verdier. Avec les jeunes de l’Orchestre-Atelier Ostinato, le chef français impose une lecture sans vibrato, autour de textures claires et allégées. Si l’Ouverture déçoit par un manque d’allant presque amorphe, Verdier se révèle plus convaincant dans l’accompagnement, toujours attentif à ne jamais couvrir les chanteurs. Sa direction parfois inégale (quelques raideurs notamment) sait aussi réserver de merveilleux moments de grâce, tel le superbe ensemble au premier acte où les amoureux se séparent autour d’un festival de couleurs raffinées et délicatement étagées à l’orchestre.

Côté voix, il fallait être présent dans le car de retour vers Paris pour comprendre combien ces jeunes chanteurs jouent ici leur carrière, se donnant à fond pour se faire remarquer, et ce pour la plus grande satisfaction d’un public manifestement très attentif samedi soir. La joie d’Olga Seliverstova était ainsi à la hauteur de sa brillante incarnation de Fiordiligi, puissante et investie. Autres débuts réussis en production scénique pour Armelle Khourdoïan, qui impose une Despina piquante, au caractère bien affirmé et particulièrement à l’aise dans les récitatifs. Andrea Hill (Dorabella) n’est pas en reste autour d’un timbre corsé savoureux, tandis que Piotr Kumon (Guglielmo) assure sans vaciller. C’est surtout Yu Shao qui reçoit une ovation pour son rôle de Ferrando magnifiquement chanté. Un chant très propre, presque trop, qui impressionne au niveau technique. Seul petit bémol avec la prestation du «vétéran» Pietro Di Bianco (Don Alfonso) dont les efforts pour imposer un timbre à l’émission profonde ne permettent pas une expression scénique naturelle.

Et déjà de trois mises en scène pour Dominique Pitoiset avec l’Atelier lyrique: après L’Isola disabitata de Haydn à Suresnes en 2005 (repris voilà deux ans à la Ferme du buisson de Noisiel), puis Orphée et Eurydice de Gluck à Bobigny en 2011, l’ancien directeur du Théâtre national de Bordeaux reste bien ancré dans la mise en scène d’opéra. Comme à son habitude, il se montre assez sobre en transposant l’action en un shooting de mode classieux où le noir et blanc domine. Très réussie visuellement, sa mise en scène s’appuie sur une direction d’acteur serrée, même si elle semble quelque peu manquer d’idées pour réellement animer le second acte, plus statique. On est également peu convaincu par le choix de ne pas grimer les deux amoureux autrement que par un changement de costume – ceci pour signifier que l’apparence prend décidément trop de place dans nos sociétés contemporaines? Les pistes manquent pour être plus affirmatif.

D’infimes réserves cependant pour cette excellente production à voir jusqu’au 24 juin afin de profiter de la formidable cohésion de cette équipe déjà bien aguerrie.