« Symphonies n° 2 et 4 » de Friedrich Gernsheim - Hermann Bäumer - Disque CPO

La découverte des symphonies de Friedrich Gernsheim (1839-1916) en séduira plus d’un: nous avions déjà eu l’occasion de souligner, lors du précédent volume que CPO lui avait consacré autour de ses œuvres concertantes pour violon, combien cet admirateur de Brahms aurait toute sa place dans les programmes de concert s’il avait seulement le début de la renommée de son aîné.

C’est encore vers Beethoven que Gernsheim se tourne dans sa Deuxième Symphonie de 1882, tout comme dans sa Première composée en 1875, en un esprit pastoral immédiatement séduisant du fait d’un thème principal facilement identifiable, agrémenté d’une myriade de couleurs aux vents notamment. Le deuxième mouvement, pétillant et léger, se tourne davantage vers Mendelssohn, tandis que le Nocturne qui suit s’épanouit autour d’une mélodie qui traverse tous les pupitres: une merveille d’orchestration évocatrice. Le final plus brahmsien annonce déjà la Quatrième Symphonie de 1895, portée par un souffle et un beau thème lyrique initial. Mais c’est sans doute l’Andante, d’une belle ampleur, qui constitue le sommet de cette œuvre inégale – les deux derniers mouvements apparaissant trop convenus.

D’une durée de trente minutes environ, ces deux courtes symphonies auraient mérité l’ajout d’une ouverture ou d’Agrippina, scène pour mezzo-soprano (interprétée par Nora Gubisch et Alain Altinoglu à Montpellier en 2011). On se délectera cependant du geste classique et lyrique de Hermann Bäumer, parfaitement à son aise dans cette musique certes conservatrice, mais d’une indiscutable qualité.

« La Musique de film en France. Courants, spécificités, évolutions » de Jérôme Rossi (direction) - Symétrie Recherche

On doit à Jérôme Rossi, maître de conférences en musique et musicologie à l’université de Nantes, le projet de ce nouveau livre entièrement consacré à la musique de film en France. Il avait déjà participé à la rédaction d’un chapitre consacré à Poulenc et au cinéma dans un ouvrage paru en tout début d’année, Du langage au style, singularités de Francis Poulenc (Société française de musicologie). Outre ses activités d’enseignant-chercheur, cet ancien étudiant en conservatoire et en musicologie mène une carrière de compositeur pour l’image, particulièrement développée. On ne pourra donc que se féliciter de ce double regard théorique et pratique, permettant d’embrasser toutes les spécificités de la problématique rencontrée, définies dans sa longue introduction à l’ouvrage.

On considère ainsi que la première partition spécifiquement écrite pour un film est L’Assassinat du duc de Guise de Camille Saint-Saëns en 1908. Si le recours au compositeur apparaît décisif dans le cinéma muet, il permet surtout d’éviter l’aspect séquentiel des emprunts divers, souvent à l’œuvre ailleurs. Pour autant, on compte seulement une trentaine de partitions originales recensées dans les années 1920, les autres films privilégiant arrangements et compilations, tandis que les problèmes techniques de synchronisation entre son et image demeurent nombreux. Mais la principale spécificité française tient à l’autorité incontestée donnée au réalisateur là où les pays anglo-saxons préfèrent les droits du producteur. Le livre va donc s’interroger sur les liens entre le réalisateur-créateur et le compositeur, là où les pays anglo-saxons cloisonnent plus volontiers ces différents métiers.

En dehors de l’introduction passionnante de Jérôme Rossi, le livre compile divers articles en lien avec le sujet, tous écrits par des universitaires différents. Ce parti pris donne donc une lecture d’un intérêt inégal au gré des sujets et des auteurs, mais conserve une qualité de sérieux et d’objectivité à souligner. On pourra donc lire cet ouvrage dans un ordre ou dans l’autre, au gré de sa curiosité par rapport aux différents sujets traités.

« Trios pour piano » de Joseph Haydn, Friedrich Schneider et August Klughardt - TrioSono - Disque Genuin

C’est à une interprétation réjouissante, emplie d’esprit et de finesse, que nous convie l’excellent TrioSono en un florilège de trios qui embrasse un siècle entier de musique germanique. On retrouve tout d’abord le plus connu d’entre eux, le Quarante-troisième Trio de Haydn, une œuvre de la pleine maturité composée en 1797, peu de temps avant La Création. Véritable chef-d’œuvre de son auteur, ce trio bénéficie ici du ton détaché et aérien de ses interprètes germano-japonais dont c’est là le tout premier disque enregistré depuis sa formation en 2012 à Leipzig. On ne tarira pas d’éloges sur ce Haydn tour à tour espiègle et nonchalant, aux tempi allants et sans vibrato, dont l’écoute se révèle passionnante sur la durée: notamment dans l’Andante, presque dissonant par endroits, tandis que le Finale se montre un rien plus raide avec sa rythmique cravachée à outrance. On a là une bien belle alternative à la version de référence jadis gravée par Robert Levin, Anner Bylsma et Vera Beths (Sony, 1993).

Les compléments se montrent à la hauteur avec deux raretés gravées en première mondiale. On retrouve tout d’abord un Trio composé en 1816 par Friedrich Schneider (1786-1853), plus connu comme virtuose du piano choisi par Beethoven pour créer son fameux Concerto «L’Empereur» cinq ans plus tôt. Schneider s’est révélé un compositeur particulièrement prolifique tout au long de sa carrière, et ce dans les tous les genres. Autour d’une œuvre charmante, ce disque contribue donc à la réhabilitation d’un compositeur dont tant reste à découvrir. Si les deux premiers mouvements de cette œuvre apparaissent un rien décoratifs, c’est surtout vers le superbe Presto final, pétillant et rythmique, qu’il faudra se tourner en priorité.

La redécouverte d’August Klughardt (1847-1902) semble quant à elle plus avancée, autant au niveau symphonique (voir le dernier volume de l’intégrale symphonique en cours chez CPO) qu’en musique de chambre (notamment son beau Quintette de 1898 enregistré par les Aquilon). Son élégant Trio de 1885 conclut admirablement ce disque qui augure d’une belle carrière pour le TrioSono.

« Omar Khayyám » de Granville Bantock - Norman Del Mar - Disque Lyrita

«Mais qui est seulement Granville Bantock?» s’interrogeait le Guardian voilà trois ans, à l’occasion des cinq concerts donnés lors des Proms de Londres pour célébrer le compositeur britannique. Méconnu dans son propre pays, Granville Bantock (1868-1946) fut pourtant respecté de son ami Jean Sibelius, pour qui il fit beaucoup au Royaume-Uni, recevant l’honneur de la dédicace de sa Troisième Symphonie. Bantock mérite effectivement davantage qu’une curiosité polie, comme le démontrent plusieurs de ses œuvres les plus fameuses opportunément rééditées par Lyrita dans ce coffret de quatre disques. Parmi ses chefs-d’œuvre, son oratorio Omar Khayyám en impose par son éclat souverain autant que par ses vastes dimensions: près de trois heures de musique pour une œuvre divisée en trois parties, la première étant aussi importante que les deux autres réunies. Dans cette œuvre composée entre 1906 et 1909, Bantock fait l’étalage d’un puissant lyrisme caractéristique de son style de l’époque, s’appuyant sur un art du coloris orchestral qui rappelle Rimski-Korsakov. Le sujet oriental du récit n’est évidemment pas étranger à cette comparaison, tout comme les effluves mélodiques irrésistibles dignes du grand maître russe.

Norman Del Mar réussit ici l’un de ses plus beaux enregistrements en se régalant de la luxuriance et du pathos entremêlés, tout en insistant sur la conduite de la narration, sans jamais s’appesantir cependant. Il bénéficie autant de l’appui de l’excellent chœur des BBC Singers que des solistes – seul le baryton Brian Rayner Cook montrant quelques faiblesses dans l’aigu et la fraîcheur du timbre. Les compléments réunis, tous composés entre 1906 et 1912, ne s’éloignent pas du style de l’oratorio. On pourra passer sur le dispensable Fifine at the Fair (1912), orgie mélodique proche de Richard Strauss, pour s’intéresser aux délicats chants orchestraux de Sappho (1906), admirablement interprétés par la contralto Johanna Peters. Il est à noter cependant que Del Mar n’a pas enregistré trois morceaux de cette œuvre (environ un quart d’heure de musique). Bantock montre davantage de fantaisie et d’espièglerie dans la savoureuse ouverture The Pierrot of the Minute (1908), idéalement interprétée par un Del Mar décidément inspiré par les séductions mélodiques du compositeur.

« Paul Bunyan » de Benjamin Britten - Opéra de Francfort - 22/10/2016

Qui était Britten avant le succès fulgurant de son deuxième opéra, Peter Grimes, en 1945? C’est un peu à cette question que tente de répondre l’Opéra de Francfort en présentant pour la première fois, soixante-quinze ans après sa composition, l’opérette Paul Bunyan dans la capitale de la Hesse. On s’étonne, à la découverte des délices de cet ouvrage irrésistible, qu’un Jean-Luc Choplin n’ait eu l’idée d’en monter une production durant son mandat au Châtelet. Négligé au point d’être souvent inconnu de la plupart des mélomanes, ce tout premier ouvrage lyrique de Britten a été conçu lors de l’exil américain pour une troupe de semi-amateurs universitaires. Si le Britannique remit sur le métier son ouvrage en 1975 (c’est la version ici proposée), on a déjà là l’œuvre d’un compositeur accompli, jouant avec les sonorités et faisant sonner son orchestre selon ses besoins, en touches gracieuses ou plus dissonantes par endroit, tout en se délectant des multiples références aux musiques américaines de l’époque, dans l’esprit de la comédie musicale façon Broadway. Seuls les interludes longuets paraissent de trop dans cette opérette – il est vrai peu mis en valeur par le fade chansonnier allemand Biber Herrmann, pourtant spécialiste de la country music.

Avec cette histoire désopilante de bûcherons empêtrés dans leur quotidien répétitif, notamment celui de trouver un cuisinier à la hauteur de leurs ambitions culinaires, Britten et son librettiste Auden s’emparent des suites de la «Grande dépression» avec humour, comme put le faire avant eux John Steinbeck dans son tout premier succès Tortilla Flat (1935). On retrouve déjà certains des thèmes chers à Britten, telles l’exploration des règles particulières à un groupe d’hommes isolé (repris ensuite dans Billy Budd) ou encore une critique voilée de la religion à travers la figure de Paul Bunyan, voix off qui guide les hommes comme une sorte de gourou. La mise en scène de Brigitte Fassbaender insiste sur ce point en montrant seulement la bouche du rôle-titre en incrustation vidéo, surplombant la scène telle une apparition divine. Sans jamais en faire trop, les nombreux gags visuels de Fassbaender servent habilement le propos, agrémentant l’intrigue volontairement minimaliste d’Auden.

La scénographie évoque quant à elle le folklore américain dans l’esprit de Warhol, en représentant plusieurs boîtes de soupe Campbell plus délirantes les unes que les autres avec leur taille extravagante. Très dynamique, la direction d’acteurs bénéficie de ce beau décor unique pendant toute la représentation, sans oublier d’investir avec bonheur les à-côtés de la scène ou les estrades du public, jouant ainsi sur la spatialité et l’acoustique. On regrettera seulement le placement de l’orchestre sur le côté gauche, qui occasionne certains décalages, le chef ne pouvant donner que de très loin ses indications. Mais ce n’est là qu’un détail tant les interprètes s’en donnent à cœur joie, offrant un niveau global d’excellente qualité jusque dans les seconds rôles – une constante souvent soulignée à Francfort. On retrouve avec plaisir les jeunes talents issus de la troupe de l’Opernstudio de Francfort dont se dégage la délicieuse Elizabeth Sutphen (Tiny), tandis que les plus aguerris Michael Porter (Slim) et Michael McCown (Johnny Inkslinger) s’imposent par leur incontestable aisance vocale et dramatique.

Une production de très haute tenue vivement applaudie par le public de Francfort, gâté en ce début de saison comme le prouve l’autre réussite lyrique à voir en ce moment, la rare Martha de Friedrich von Flotow.