« Rusalka » d'Antonín Dvorák - Robert Carsen - Opéra Bastille à Paris - 04/02/2019

Quelle surprise de se retrouver sans le savoir à une soirée «Moins de quarante ans, moins 40% sur les tarifs» à l’Opéra, avant de se rendre compte petit à petit de ce vent de jeunesse autour de soi! Ainsi de la représentation de Rusalka donnée à Bastille lundi soir, qui fait partie de celles réservées à cet effet, à l’instar des avant-premières jeunes (28 ans et seulement 10 euros). On se surprend à l’entracte à scruter mesquinement les quelques rares crinières blanches en présence, tout en admettant ensuite que les quelques tousseurs sont aussi peu discrets que leurs aînés. Combien de fois faudra-t-il répéter que tousser dans sa manche est le seul moyen de respecter le confort auditif de ses voisins?

Quoi qu’il en soit, on ne pourra que se féliciter d’avoir pu assister à l’un des spectacles emblématiques de la fin du mandat d’Hugues Gall (1995-2004), la Rusalka imaginée par Robert Carsen en 2002 et constamment reprise ensuite (dernièrement en 2015). Dans la lignée de David Pountney en 1986, Carsen centre son intérêt sur les tourments psychologiques de Rusalka, mais va plus loin encore en suggérant que les différents personnages féminins ne font qu’un, comme différentes facettes d’une personnalité que l’héroïne hésite à emprunter. Autour de splendides éclairages qui mettent en valeur les tons pastel du décor, la scénographie utilise le plateau monumental de Bastille pour figurer deux mondes en miroir: dans cette optique, le royaume des eaux devient le temps de l’enfance protectrice, tandis que l’espace dévolu aux humains symbolise le passage redouté à l’âge adulte et à la sexualité. Tout en montrant l’héroïne écartelée entre ses désirs contradictoires, Robert Carsen met en avant le graal féminin par excellence, une robe de mariée que chaque petite fille a certainement rêvé de revêtir un jour. Ne suggère-t-il pas aussi le désir incestueux de Rusalka pour son père, dès lors que l’Ondin est habillé comme le Prince?

Cette passionnante relecture trouve cependant sa limite dans la connaissance nécessaire de l’ouvrage à avoir au préalable, afin de saisir les multiples allusions ci-dessus évoquées. Une même limite a ainsi pu être adressée à l’encontre de la production géniale mais controversée de Stefan Herheim (voir notamment en 2014 à Lyon), qui mettait, de manière inattendue, l’Ondin au centre de l’action. De plus, la scénographie du premier acte, trop impersonnelle et à l’action figée, montre quelques limites, sans parler des éléments comiques gommés (les trois Nymphes moqueuses) ou du fantastique absent (la Sorcière elle-même grimée en frigide Rusalka). Si le II est plus réussi avec son ballet intriguant et fascinant, le dernier acte retombe dans les errements du premier, avec une vidéo un peu cheap qui figure une mer placide. On notera également que les grandes pièces révélées au I n’aident pas la projection vocale – tout particulièrement Camilla Nylund.

Si la puissance n’est pas le fort de la soprano finlandaise, on retrouve avec plaisir les phrasés ensorcelants et le chant aussi souple qu’harmonieux de cette interprète emblématique du rôle-titre. A ses côtés, l’Ondin de Thomas Johannes Mayer manque de projection lui aussi, avec un timbre un peu terne. Il assure pourtant l’essentiel, de même que Klaus Florian Vogt (Le Prince), toujours aussi éloquent et investi depuis la révélation de son talent à Paris voilà dix ans. On pourra noter cependant quelques décalages avec la fosse ou quelques légères aspérités dans l’aigu, tout autant qu’un resserrement de l’émission dans les passages ardus. Si Michelle DeYoung (Jezibaba) assure bien sa partie, c’est plus encore la force de caractère de Karita Mattila qui donne beaucoup de saveur à son interprétation de la Princesse étrangère. On en viendrait presque à regretter que son rôle ne soit pas davantage développé. Outre trois superlatives Nymphes, on mentionnera encore la belle prestation de Jeanne Ireland (Le garçon de cuisine), aux aigus rayonnants.

La plus belle ovation de la soirée est cependant obtenue par Susanna Mälkki, qui semble intimidée par la chaleur des applaudissements en fin de représentation. Ce n’est pourtant là que justice, tant l’ancienne élève de Jorma Panula et Leif Segerstam fouille la partition en ses moindres recoins pour en révéler des passages inouïs de subtilité. Elle n’en oublie pas le rythme, avec des reprises toujours suffisamment affirmées pour éviter la sensation d’une lecture analytique. On pourra par ailleurs noter une propension à ralentir les parties apaisées pour mieux accélérer les passages dansants ou cuivrés: de quoi offrir des contrastes bienvenus à cet ouvrage où le rôle de l’orchestre est prépondérant.